Le… “bugie”
tecnica mista su pelle (40x50)

La S. V. è invitata all’inaugurazione della
mostra personale di

Giorgio Panero

Presentazione di Riccardo Saldarelli
Giorgio Panero, architetto e pittore, alla Compagnia del Paiolo 

Quando, durante uno dei nostri sodali incontri, l’amico Vittorio mi buttò lì che aveva un fratello architetto, Giorgio, che dipingeva e che voleva fare una mostra a Firenze la cosa mi incuriosì non poco e mi vennero spontanee alcune domande alle quali Vittorio mi andava rispondendo con palesi accenti di ammirazione ed affetto verso il fratello. Il succo di questa chiacchierata tra amici, una volta vista la ricca documentazione fotografica, sarebbe diventato, sic et simpliciter, lo spunto per questa presentazione.

Non appena ebbi modo di studiare il materiale visivo, mi accorsi di essere fronte ad un “grosso” lavoratore ed anche di più.

Giorgio Panero, si laureava a Firenze nel ’56 e da sempre dipingeva, anzi, disegnava. Quindi, un sicuro talento naturale modellato poi da una scuola speciale, quella della Facoltà di Architettura di Firenze degli anni cinquanta e sessanta, quella stessa che vantava la sua più antica appartenenza, come scuola di Architettura, alla fiorentina Accademia di Belle Arti.

Cosa forse sorprendente per il profano che può non pensare a questi riferimenti, ma non per me che, più giovane di qualche anno dei due architetti Panero, sono pure allievo e figlio di quella potente scuola di architettura di Firenze che in quegli anni si fondava ancora sulle arti del disegno, quelle stesse praticate dagli antichi maestri di Firenze rinascimentale. Quelli che, ora architetti, ora scultori, ora pittori - di volta in volta - furono e restano i veri maestri dell’arte italiana.

Quindi non mi sorprese il fatto che sin da ragazzo Giorgio Panero manifestasse sicuro interesse, ma che fosse anche accompagnato da doti certe per le arti del disegno. Iniziava infatti precocissimo anche le sue prime esperienze espositive. Mi sarei proprio meravigliato del contrario perché tutte quelle generazioni che avevano avuto come insegnanti e maestri, tra gli altri, Michelucci, Gamberini, Lusanna, Libera, Quaroni, Baroni, Maggiora, non potevano esprimere architetti che non avessero anche una qualche vocazione artistica per il disegno. Siamo di fronte a talenti naturali che trovarono in questa speciale scuola di architettura fiorentina il loro “maestro dell’intelletto” perché il disegno non è solo un fatto tecnico: è prima di tutto un fatto mentale che andrà a perfezionare e completare la cultura e la forza dei mezzi espressivi di chi voglia affrontare seriamente il mestiere di architetto, di pittore o di scultore.

Fatte dunque tutte queste premesse è ora facile parlar bene del pittore che si presenta con questa mostra, ricca di opere, nello spazio espositivo di Piazza della Signoria, dove il Paiolo Fiorentino cerca ancora, pur tra mille contraddizioni ma con caparbia vitalità, di affermare alcuni valori di sempre nel caotico divenire dell’arte oggi. Nessuno spazio privato ci parve dunque più idoneo di questo.

Soffermiamoci, ora, un poco anche sugli oggetti pittorici che questo artista ci offre, non per voler azzardare una qualche esegesi di tipo critico estetico, ma per esprimere una serie di considerazioni personali sul serio e ricco lavoro di questo architetto pittore.

Una prima considerazione che mi viene in mente è che la lettura delle numerose opere presentate e quindi il suo godimento da parte del visitatore alla mostra rappresenta una pausa di tranquillità nel vorticoso e globalizzante mondo dell’arte contemporanea.

Una tranquillità che deriva dalla precisa sensazione di essere di fronte ad un percorso artistico sincero, al di fuori di schemi estetici prefabbricati, che dunque vuol esprimere estrema libertà nel godimento e nel divertimento di chi decide di scegliere questa via espressiva cercando di regalare al visitatore sensazioni analoghe.

Questa mostra va vista come il momento sereno di un bilancio artistico e di vita e, a questo punto, voglio azzardare che siamo di fronte ad un grande e raro “dilettante” e voglio usare questo appellativo con la stessa forza e significato che gli antichi maestri attribuivano - con valenza assolutamente meritoria e persino con qualche punta d’invidia - a coloro che venivano a questa arte… non sanza cagione d’animo, gentile… piacendoli per amore naturale... Così scriveva il più grande trattatista di pittura del ‘400, Cennino Cennini, nel suo “il libro dell’arte”, ed ancora, rafforzando il giudizio, affermava che… sopra tutti quelli, da commendare è quelli che per amore e per gentilezza d’animo all’arte predetta pervengono… Con queste parole individuava perfettamente quel talento naturale, quella vocazione quell’intelletto che al disegno si diletta solo, ché da loro medesimi la natura a ciò gli trae, sanza nulla guida di maestro, per gentilezza d’animo. Una vocazione ed un percorso, quasi un destino, per coloro che, mossi da questo amore da questo dilettarsi, sentono alla fine il bisogno di trovare guide certe così seguitano a voler trovare maestro e con questo si dispongono con amore d’ubbidienza, stando in servitù per venire a perfezione di ciò… Gli antichi maestri, di fatto, esaltavano questi, tra le schiere di coloro che volevano pervenire all’arte, rispetto a quelli che vi giungevano… per povertà e necessità del vivere… cioè… per guadagno… Argomento ancora di grandissima attualità se si vuole affrontare il tema della pittura oggi. E dico solo pittura, non arte in generale, perché oggi sembra che la pittura non abbia più diritto di esistenza, tanti sono i modi nuovi dell’espressione, tutti leciti se si parte dalla gratuità spesso dell’ignoranza.

Ma se si voglia parlare di pittura questo discorso deve rispondere a canoni ben precisi. Quei canoni che possiamo sintetizzare nell’applicazione delle regole del disegno e del colore, nel senso della composizione, delle misure, dei rapporti, quindi dei ritmi, degli equilibri e dei valori anche materici. Canoni che ritroviamo perfettamente nel mondo pittorico di Giorgio Panero che, talento naturale appunto, trova nella scuola di architettura quel suo maestro mentale che lo porta con assoluta chiarezza e naturalezza a percorrere il libero cammino prescelto.

Voglio quindi esaltare in questa mia presentazione la privilegiata condizione di libertà che Giorgio Panero ha scelto per il suo fare arte. Un atteggiamento che esprime soprattutto la felicità del dipingere nella libertà dai vincoli del mercato e da ogni altra limitazione che affligge la maggior parte di coloro che praticano l’arte non per diletto ma per bisogno, piegando il proprio fare ad esigenze non propriamente artistiche.

Il diletto nel compiacersi fino in fondo nella ricerca dei soggetti, nello studio di materiali diversi, nella continua sperimentazione delle tecniche prescelte sino a dominarle così da trasmettere in chi guarda la sua conquistata sicurezza.

Il diletto nel passare con disinvoltura dalla tecnica dell’acquerello, sin dall’inizio praticata, a quella dell’olio, sempre con sicuri e convincenti risultati. I suoi sono acquerelli, condotti classicamente secondo le giuste regole della trasparenza dei colori, con pennellate libere e di getto, sia quelli con intenti chiaramente naturalistici sia quelli più o meno astratti. Nel primo caso, solo tocchi sapienti dove prevalgono orizzonti marini, qualche taglio prospettico su un bagnasciuga in primo piano, quinte rocciose o fondali di un teatro naturale che si condensano in promontori appena sagomati che fanno intravedere un tramonto, una tavolozza dove prevale il mare ed il cielo, fatta di azzurri e qualche ocra; nel secondo caso piani di colore interrotti da oggetti perfettamente disegnati dove i giuochi di luce si intrecciano con ritmiche zone di fondo bianco della carta. Quando nelle sue carte compaiono gli oggetti della natura morta, ora ci colpisce il rosso di peperoni carnosi, ora il lavorìo sapiente per raggiungere un convincente tono violaceo nel raffigurare alcune melanzane. Altre composizioni vengono ritmate dal giallo di frutta ed ortaggi, in contrappunto con il dirompente bianco di uova, quasi a rammentarci ancora il suo bisogno di ritornare alle misure ed ai simboli di una geometria archetipale che poi è la sua vera struttura mentale, anche quando affronta temi figurativi. Un know how che lo porta a vere e proprie creazioni astratte, quasi forzate ad ubbidire ad un richiamo innato, dove tutto volutamente si riconduce a quella geometria che è la struttura di tutte le sue pitture.

Un solo esempio, a conferma di questa continua ricerca di equilibri compositivi nascosti o dichiarati, viene dai numerosi inserimenti di un preciso punto focale espresso da emblematici dischi, solari o lunari, in vari dipinti come “l’abbeverata” o “la savana”, dove mandrie di cavalli selvaggi o di zebre riempiono rarefatte savane.

Questi dischi creano profondità di spazi astratti dove il tempo si ferma, dove le albe ed i tramonti si confondono anche quando si riflettono nei mari immobili di quadri come “barca al tramonto”, “luna all’alba”, “tramonto sul porto”.

Tra i vari temi della pittura di genere da lui trattata, tra ortaggi ed oggetti, troviamo bottiglie, brocche, bicchieri, candelabri. Nature morte in composizioni che sfiorano la solitudine e la freddezza di velate suggestioni metafisiche riassumibili nei “senza titolo”, quello con la caffettiera delle ore 7 e quello con l’ammaccato barattolo di Coca Cola, quasi a voler anche affermare una sua distaccata e divertita attenzione verso mode dell’arte contemporanea.

Quale ordine cronologico abbiano le sue opere dichiaratamente geometriche è una domanda inutile perché lui le ha sempre avute dentro. Questo gruppo di lavori rappresenta infatti tutto quel ricco patrimonio compositivo retto da strutture nascoste che poi estrinseca negli altri acquarelli o amplifica e perfeziona pittoricamente nelle sue opere ad olio. Sembra voler esprimere il bisogno di dichiarare all’esterno questa sua capacità strutturale che riprende tutte le forme e le competenze di chi ha dimestichezza con il segno a china dell’architetto, quello dei tiralinee o dei rapidograph, insomma il disegno a tratto puro.

Cosi assistiamo a suoi divertissement di scomposizione e ricomposizione di oggetti e temi vari come nella sequenza di dipinti che vanno da “porto adriatico”, dove ancora l’esigenza della figurazione prevale ma che, attraverso i tagli coraggiosamente astratti di “barche in riposo”, diventa altro, totalmente originale, nell’ esaltazione di un segno luminoso in “pollution”.

Nel suo bestiario troviamo anche gatti, galli, tacchini inseriti compositivamente nei suoi schemi geometrici - quasi a voler far partecipare il mondo vivente al giuoco dei colori e dei campi astratti - talvolta ironicamente caricaturali come in “la vanità” o in “impulso erotico”.

Leggendo, dunque, le opere pittoriche di Giorgio Panero - siano carte acquerellate od oli su tela o su pelle, manifestazioni di una sua voglia di estrema astrazione alternate a lezioni di accademia pittorica - a mio avviso ci troviamo di fronte ad un artista che, lungi da esprimere apparenti contraddizioni, sempre meravigliandoci dimostra la sua libertà e la sua gioia di dipingere, veramente bene.

Firenze, ottobre 2006